Não sei se seria imaginável um disco do Dinosaur Jr produzido por alguém como Rick Rubin. E isso realmente não aconteceu, mas J. Mascis, o vocalista e guitarrista do grupo, que geralmente é quem produz os próprios trabalhos, se valeu de uma informação que leu a respeito do incensado produtor: a de que Rubin sempre aconselhava as bandas a reouvir seus primeiros trabalhos quando estivessem se preparando para uma nova gravação.

Ok, é um conselho um tanto clichê, e sabemos o quanto Rick Rubin tem uma carreira carregada destes clichês, mas acho que Mascis também sabe disso e a seu modo se valeu pra promover um retorno às origens, mesmo que não possamos dizer que o Dinosaur Jr tenha exatamente saído tanto da rota ao longo de sua existência.

Mas There Near, o novo álbum é mesmo um pouco mais lo-fi do que seus antecessores, com aquela cara de ensaio, plugar os instrumentos, contar até três e sair tocando. O foco é mais voltado às harmonias muito bem executadas, os solos sempre criativos – esse o ponto mais forte – e os vocais despojados.

O disco abre muito bem com Several Got Away, powerpop de responsa, e na segunda faixa, No Friends, o jogo já parece ganho para o trio. Se J. Mascis faz solos primorosos, também dá pra dizer que as linhas de baixo de Lou Barlow mantém o nível, especialmente em Read the Room e Everything at Once. Barlow ainda se destaca com suas composições No One’s Ready e Blowin’ Up, adicionando um pouco de inconformismo político na temática do disco (e mais belas linhas de baixo). Como não podia deixar de ser em um trio, a bateria de Murph funciona como “cola” para tudo isso aí.

Ainda sobre a encucação de J. Mascis com o “conselho” de Rick Rubin, o guitarrista foi atrás de comprar o mesmo amplificador com que gravou no disco de estreia do grupo, de 1985. Parece que essa coisa de vintage às vezes dá certo.

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Ouvindo o novo disco do Chat Pile chamado Who Loves the Sun, tive uma sensação estranhamente familiar de estar de volta pra 1996. Só que muito mais barulhento. Se o Korn tivesse crescido ouvindo mais noise rock e menos groove metal, o Follow the Leader provavelmente soaria parecido. É aquela mesma raiva contida, o mesmo groove pesado, só que muito mais sujo, mais experimental, menos preocupado em soar radiofônico pra um clipe da MTV.

O Chat Pile é uma banda de Oklahoma City que vem construindo uma reputação sólida de sludge/noise rock sujo e obcecado com decadência urbana. Seus discos anteriores já foram ótimos, e a gente já sabia mais ou menos o que esperar do Who Loves the Sun. Talvez esse disco seja um pouquinho mais melódico, mas sem deixar de lado as coisas boas e a grosseria dos seus riffs e sua gritaria.

O disco tem groove, tem refrão marcado, mas sem largar o som quase industrial que sustenta tudo por baixo. “Deep Blue” carrega um riff hipnótico e simples que sozinho já sustentaria a faixa inteira. “Same Rules” flerta com uma batida meio trip-hop e um baixo distorcido. A segunda metade do disco fica mais brutal, com a banda inteira gritando junto numa mistura perturbadora e divertida ao mesmo tempo.

O disco fecha com “October All the Time”, uma faixa que começa só com violão acústico, criando uma curiosidade que talvez acalme na audição, até a gente tomar uma porrada na orelha com o peso característico da banda.

No fim, Who Loves the Sun é o tipo de disco pesado e barulhento que muita gente gosta de dizer que não entende nada, mas nas suas entrelinhas e detalhes, tem estrutura de canção com refrões marcantes. Se você também sente saudade daquele nu-metal mais sujo dos anos 90, mas quer algo que soe atual, cru e genuinamente incomodado com o mundo de hoje, é nesse disco aqui que sua procura vai terminar.

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Noise rock / Sludge metal – 🇺🇸

PRESIDENT – Blood of Your Empire

Alternative metal / Prog Metal– 🇬🇧

Taemin – Phase 1: Soft Violence

K-pop / Dance pop / R&B – 🇰🇷

Arab Strap – Half-Told Tales

Post-punk / Indie rock / Folk – 🏴󠁧󠁢󠁳󠁣󠁴󠁿

ADÉLA – PRIMA

Pop / Hyperpop / Art pop – 🇸🇰

Rebecca Black – Age of the Exhibitionist

Pop / Electropop – 🇺🇸

Dexys Midnight Runners – LOVE

Soul / Blue-eyed soul / Post-punk – 🇬🇧

Huremic – No Dancing Allowed

Noise rock / Korean folk / Post-rock / Experimental – 🇰🇷

Gnoomes – Losey

Psicodélico / Post-punk / Eletrônico experimental – 🇷🇺

Bayonne – Filters

Eletrônico / Ambient pop / Dream pop – 🇺🇸

Slowfoam – Night Rider

Ambient / Experimental eletrônico – 🇺🇸

Sleep – Hempispheres

Stoner metal / Doom metal – 🇺🇸

Movements – Happier Now

Post-hardcore / Emo – 🇺🇸

Airbourne – Airbourne

Hard rock – 🇦🇺

Sigh – Goh-Ka

Avant-garde black metal – 🇯🇵

Nails – Fear Based Life

Powerviolence / Grindcore / Hardcore punk – 🇺🇸

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The post Os Lançamentos da Semana: 29 de agosto a 4 de setembro de 2026 appeared first on Silêncio no Estúdio.

Em que pese as mudanças de formação e algumas pausas ao longo da carreira, o grupo goiano Violins sempre pareceu conhecer bem o terreno em que pisa.

É assim que o grupo chega ao décimo álbum, Aguacêro, com oito faixas que, se ainda preservam as grandes sacadas das letras de Beto Cupertino, cantor e guitarrista, dão também a sensação de um clima mais calmo musicalmente, ainda que tão bem executado quanto seus antecessores.

Se não é exatamente o que se pode chamar de um álbum conceitual, é certo que questões relacionadas à chuva e suas consequências são recorrentes ao longo de seus 34 minutos de duração. Basta observar a parte falada que inicia o disco em Drones, e o título de outras faixas, como Chuva de Vento e Inundados (onde o título do disco é citado diretamente), além das menções a inundação em Ponta e Meio.

O disco termina num clima ainda mais sereno com Mais ou Menos, conduzida principalmente por piano, embora seja uma canção que vai crescendo com mudanças de andamento e um final brusco.

Já é um dos grandes lançamentos nacionais de 2026.

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Bonito amor? Ok. Essa é a versão 2026 da menina Natalie que, desde 2021, não lançava um disco novo. Para a sua sétima obra de estúdio, a cantora andou pincelando alguns singles que revelaram um pouco da direção que Algorithm parece tomar.

“Beautiful Love” é provalmente o ato final antes da chegada do material completo no próximo dia 4 de setembro conhecido como a sexta-feira das novidades musicais algoritmadas. No clipe, vemos ela como uma astronauta fashion, andando pela cidade descobrindo prazeres cotidianos como pedir um café, dançar na frente do feno e passar o tempo numa cadeira de balanço.

Longe do pop rock noventista de “Torn”, a canção prefere ir para o lado mais dançante, menos acústico, soando na mesma frequência de, sei lá, Hot n’ Cold da Kety Perry.
Que suas glórias do passado façam os fãs antigos se sentirem vivos e os novos preparados para clássicos do futuro.

É o que fazem astronautas.

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The post Se o presente tá aberto, a Natalie Imbruglia appeared first on Silêncio no Estúdio.

Estamos numa época bem estranha na música. Tem IA compondo música inteira no Suno em trinta segundos e produtores lendários meio que defendendo isso. As playlists de lojas de fast fashion já foram bem melhores. Agora é tudo de plástico e descartável. Tem hit que parece produzido numa fórmula matemática pra bater metas de streaming. O mainstream virou uma pastelaria que só vende um sabor de pastel. Você pode até pedir o que quiser, mas só tem pastel de vento. Música que me parece sem talento para conexões emocionais com ninguém.

Só que, ao mesmo tempo, nos nichos a coisa nunca esteve tão interessante. É como se a nova geração da música estivesse numa plateia e um guru de tecnologia fala sobre AI e todo mundo começa a vaiar. Quanto mais artificial fica o topo das paradas, mais orgânico e genuíno fica tudo que sobrevive fora dele. It Goes On, disco de estreia da banda inglesa Westside Cowboy, é exatamente esse tipo de resistência.

A banda foi formada em 2023 em Manchester, com Jimmy Bradbury e Reuben Haycocks nas guitarras e vocais, Aoife Anson-O’Connell no baixo e vocais, e Paddy Murphy na bateria. It Goes On foi gravado com produção de Loren Humphrey, que também trabalhou com o Geese. O disco tem 11 faixas e uma pegada que mistura indie rock com alt-country, guitarras ardidas com uma melodia de folk e vocais divididos. Soa como um ensaiado numa garagem.

É esse equilíbrio que faz o disco soar, em vários momentos, como uma versão moderna e mais elétrica de Crosby, Stills, Nash & Young. Aquela mistura de harmonias de voz fluídas com uma base mais crua e imperfeita. A faixa como “Kick Stones (The Boys)” abre o disco com uma simplicidade quase ingênua. “Coyote” traz uma guitarra surf mais solta e uma melodia quase sussurrada do punk. O disco fecha com “You Could Have Died There On The Dancefloor”, onde a banda mostra suas próprias imperfeições, deixando claro que não estão atrás de nenhum ideal de perfeição atual, apenas fazendo um som que respira livremente.

O que mais impressiona ouvindo It Goes On é como ele soa despretensioso sem soar descuidado. Não tem cálculo de algoritmo em nenhuma faixa, mas também não tem preguiça. É aquele tipo raro de disco que parece ter nascido de gente tocando junto numa sala, testando o próprio gosto musical em tempo real, até encontrar uma identidade entre o indie britânico e a Americana.

Enquanto o mainstream continua terceirizando emoção pra “ferramentas”, discos como esse me lembram por que a gente ainda vai atrás de música nova. Porque de vez em quando aparece uma banda tocando de verdade, e isso espero que nunca vá morrer.

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The post Westside Cowboy e a música real que “It Goes On” appeared first on Silêncio no Estúdio.

Outro dia mergulhei durante horas no site do crítico italiano Piero Scaruffi (dica do nosso apoiador Marcelo), e voltei à uma hipótese já bastante debatida em nosso finado podcast: a de que a música, nos últimos 20 anos, mais ou menos, perdeu completamente o lastro. E isso não é fruto apenas da desmaterialização da mídia musical, mas do desaparecimento do arquivo, do pensamento, do registro crítico e dos consensos.

O próprio Scaruffi reflete isso, talvez sem nem saber. Me chama atenção que suas listas de “melhores bandas das décadas” só vá até a década de 2000 (daí em diante o crítico nos direciona aos rankings de notas ano a ano, o que é bem diferente) – é inclusive, uma baita lista. Só que, daí em diante, as duas décadas que se seguem são, para Scaruffi, extremamente irregulares. Analisando mais a fundo suas próprias escolhas de escuta, eu diria que as coisas se tornam difusas. Ele próprio se afunda em alguns nichos, perdendo o que havia de mais abrangente, eclético e universal em suas análises de décadas até 2000.

Nós já conhecemos os culpados. O “achatamento” da música promovido pelo modelo do streaming (que enfia todos cada vez mais nos feedback loops de suas customizações algorítmicas), a profusão da produção musical, dos novos “gêneros”, e o fim de qualquer possibilidade de aceso à música física e à sua durabilidade enquanto artefato cultural. Tudo isso nos levou ao inevitável fim do jornalismo e da crítica musicais – a ordem dos fatores não é necessariamente essa, e as coisas são concomitantes e cíclicas, mas deu pra entender, né?

Por mais que o pensamento de Scaruffi seja muito específico (e exigente), qualquer fã da linhagem alternativa que parte do rock colocaria bandas como Xiu Xiu, Animal Collective, TV on The Radio, Fiery Furnaces (entre outras) como algumas das melhores dos 00s. Essa década tem a enorme polêmica de uma farsa chamada Radiohead. Mas Scaruffi, eu, e muitos outros, desafiamos a cantilena, sendo que seria possível, a partir de uma revista que se quisesse séria, reorganizar o consenso da crítica deste período que é, por essas e outras, o início do fim do pensamento crítico e dos consensos em música (mesmo na música alternativa, onde o consenso por si só não pode ser uma camisa de força).

A dissolução das categorias, consensos e diretrizes básicas do pensamento crítico musical se enxergam hoje na “fantonização” do pensamento. O carequinha (the internet’s busiest music nerd), muito mais do que a Pitchfork ou qualquer outro veículo, tem produzido uma horda de fanáticos que tomam suas dicas e avaliações como ordens. O Bruno Leo me atentou para esse processo, e nunca mais consegui “desver”. Todo mundo que conversa sobre música hoje parece guiado pelos maneirismos e critérios de análise (por vezes completamente aleatórios e, no limite, irrelevantes) de Anthony Fantano.

Mas tudo são escolhas. Estamos vendo que os principais veículos de música têm tentado se reinventar. a Pitchfork, por exemplo, parece ter melhorado 300% desde que subiram o paywall (será que estão pagando melhor os colunistas que restaram?). No entanto, todo mundo continua se enfiando na lama.

É Fantano, é streaming, é o fim do caminho.

Existem diversos outros caminhos, mas não vou ficar aqui me repetindo. Meu foco ultimamente tem sido propor soluções. Tenho duas aqui, que vou aprofundar depois: comprem CDs, se possível. E, se vocês não viveram em um buraco nos últimos 20 anos, comentem com a gente sobre seus artistas favoritos do período. Vamos ver se dá pra conversar seriamente sobre isso?

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Progressive metal – 🇺🇸

The Warning – Everything’s Falling

Hard rock / Alternative metal – 🇲🇽

Interpol – This Mirror Weighs a Ton

Post-punk / Indie rock / Alternative rock – 🇺🇸

Alabama Shakes – I Must Be Dreaming

Blues rock / Soul / R&B – 🇺🇸

Dinosaur Jr. – There Near

Alternative rock – 🇺🇸

Erykah Badu & The Alchemist – Before the World Blows

Neo soul / Hip-hop / R&B – 🇺🇸

TUIDE – TUNE & PLAY

K-pop – 🇰🇷

NCT 127 – BLINGY

K-pop – 🇰🇷

Ken Carson – xperiment – cartunez

Trap / Hip-hop – 🇺🇸

Billy Strings – So Much For Goodbyes

Bluegrass / Folk rock / Americana – 🇺🇸

Russian Circles – Nine

Post-metal / Post-rock / Instrumental – 🇺🇸

Tiny Habits – Keepers

Folk pop / Indie pop – 🇺🇸

The Linda Lindas – GOTTA GET OUT

Indie rock / Pop-punk / Punk rock – 🇺🇸

Ty Segall – Chrome

Garage rock / Psych rock / Hard rock – 🇺🇸

Mike D – Thank You

Hip-hop / Alternative hip-hop – 🇺🇸

In This Moment – Witch

Heavy metal / Gothic metal / Hard rock – 🇺🇸

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The post Os Lançamentos da Semana: 22 a 28 de agosto de 2026 appeared first on Silêncio no Estúdio.

Não que isso parecesse ser uma preocupação dos integrantes do Black Pantera, mas a essa altura da carreira, é certo que eles não precisam provar nada para ninguém.

Livres de qualquer obrigação neste sentido, eles chegam ao quinto disco, Continental, reforçando seu discurso sobre ancestralidade, pertencimento e sobre os sentimentos de um povo que sabe da dificuldade de se conviver numa sociedade que escolhe seus padrões para privilegiar.

O grande lance, desde sempre, mas reforçado em Continental, é a naturalidade como esse discurso adere à musicalidade da banda, e nada soa forçado. Em uma banda que pratica um som pesado, é curioso observar que a guitarra não toma a frente, é apenas um instrumento em seu sentido estrito, quase como uma proteção para a voz de Charles. A afinação da guitarra, aliás, renderia uma extensa matéria em revista especializada, se estas ainda estivessem em evidência. O baixo de Chaene, por sua vez, é certamente a coisa mais impressionante da música brasileira dos últimos anos. A coesão é matida pela bateria de Rodrigo Pancho e é assim que as coisas se conduzem sem sustos.

Também sem sustos é a seleção dos convidados do disco, já que o que fica claro na audição do disco é que nenhum deles precisou se adaptar ao som, apenas foram eles mesmos, quase como integrantes honorários. Sandra Sá, Chico César, Duquesa e Derrick Green parecem extremamente à vontade nas faixas em que participam.

O movimento que se desenhava já nos anteriores Ascensão e Perpétuo, aqui se consolida: a banda passeia por sons menos pesados, sem que para isso precise amenizar seu discurso. Banzo, certamente a que mais tem cara de hit, traz Chico César para dividir o relato sobre o sofrimento do povo preto. Um relato sem amargura, apenas a verdade sendo dita a quem se dispõe a ouvir.

Um outro ponto sobre a identidade do álbum é a inclusão de uma fala do geógrafo brasileiro Milton Santos na faixa-título, fazendo quase como um mapeamento do que se ouve no álbum ao longo de suas 13 faixas: o repúdio à ideia da América Latina como quintal de outros.

O certo é que Continental mantém o nível de seus antecessores e avança um pouco mais, à medida em que a banda conseguiu estar no mainstream sem precisar refinar seu discurso. Isso é muito valioso.

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The post Cidadãos do mundo appeared first on Silêncio no Estúdio.

Não é fofoca, mas é farofa. E no fim dos anos 1980, todo mundo ainda estava falando bastante dessa estética hardrockiana. Vivendo como se o futuro não existisse (estavam certos), as bandas abusavam dos limites do corpo, do instrumento e da própria imagem com a desculpa da arte traduzida em trilhas sonoras para a conservadora posteridade.

Deu tempo para o Nelson pegar um lugar espaçoso nesse trem do glam estético, com guitarras envolventes e cabelos sedosos que misturavam o perfume com a transpiração das casas de show, enquanto uma geração aprendia a decorar os clássicos que lhes acompanhariam pela entediante vida adulta que chegaria assim que a faculdade e o dinheiro acabassem.

After the Rain saiu quase que na transição desse período de caos aceitável e já meteu a boa e velha platina dupla, gerando um single #1 com “Can’t Live Without Your Love And Affection” e permanecer nas paradas por mais de 60 semanas. É tempo.

Claro que não dá pra falar dos irmãos gêmeos Matthew e Gunnar Nelson, sem mencionar seu pai, o lendário Ricky Nelson que se tornou popular na década de 1950. A diferença é que eles escolheram seguir um estilo com mais fogos de artifício e salão de beleza que o velho Ricky.

Outro ponto que contribuiu para a ascensão dos anjos prateados foi a oportunidade de trabalhar com o produtor Marc Tenner, conhecido por sua contribuição com Aerosmith e Madonna e também por criar trilhas no cinema como o favorito do jovem adulto com curativo no coração, O Casamento do Meu Melhor Amigo.

O que Nelson Rubens diria sobre o volume desse disco?
Eu aumento mas não invento.

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